Color Wheel

¿Qué es el círculo cromático y cómo usarlo para combinar el color?

El círculo cromático es uno de esos conceptos que necesitas conocer si incursionas en cualquier forma de arte visual. Para decirlo de un modo fácil: si los tonos fueran palabras, el círculo cromático sería el abecedario, y es justo lo que necesitas para hablar bien cierto lenguaje y poder comunicarte.

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Qué es el círculo cromático

El círculo cromático es una herramienta que nos brinda una representación ordenada y circular del color. Está compuesto de 12 tonos y su ubicación es inamovible ya que nos muestra de dónde proceden y cómo se formaron.

NOTA IMPORTANTE. Usar el término COLORES no es correcto para nombrar al verde, azul, amarillo y demás tonalidades que conocemos; ya que la palabra COLOR es el plural para referirnos los tonos. Lo correcto para referirnos a los integrantes del círculo cromático es tonalidades.

Tonos primarios, secundarios y terciarios

La primera generación, los tonos primarios, dan origen al nombre del sistema. Estos tonos son el rojo, amarillo y el azul.

Los secundarios derivan de sus combinaciones, como el verde, que es una mezcla del azul con el amarillo, y el violeta, que se produce combinando el rojo y azul.

Después, están los terciarios. Los nombres de los tonos terciarios se toman de los primarios, y el apellido, de los secundarios, por ejemplo, el rojo anaranjado.

Los círculos cromáticos pueden representarse escalonados o en gradientes.

Los escalonados, en particular, tienen diferentes cantidades de tonos según quien los haga, por lo general son 12 o 24 pero, pueden llegar a ser 48, o incluso más.

Para qué sirve el círculo cromático

El círculo cromático nos ayuda a entender y a visualizar todos los tonos a la vez, al tiempo que nos permite ubicar las armonías. Luego, es útil para comprender por qué algunos tonos funcionan entre sí, combinan bien y terminan haciendo más fácil que las paletas funcionen.

Para decirlo brevemente, se trata de resumir visualmente cómo se comporta el color y cómo dialogan entre sí los tonos, lo cual hace todo más fácil a la hora de utilizarlos. La importancia de esta comprensión no es sólo estética o técnica, sino también procedimental para expresar emociones.

Existe, de hecho, una psicología del color que estudia y organiza el significado y las emociones que despierta cada tonalidad en el espectador.

Cuando conocemos el simbolismo y la manera en que cada gama cromática actúa narrativamente, podemos decidir qué tipo de paleta usar para cada proyecto, y determinar conscientemente qué queremos expresar, qué queremos provocar.

¿Cuál es el origen de esta herramienta?

El primer círculo cromático que se creó fue producto de los experimentos que realizó, entre 1665 y 1666, Isaac Newton. Él observó que la luz del sol que pasaba a través de un prisma se descomponía en una serie de tonalidades.

Newton explicó el fenómeno con la hipótesis de que la luz del sol contenía rayos diversos con distinta refractividad y que estos se percibían como tonalidades si se los observaba por separado. Cuando estos rayos se mezclaban, el aparato visual percibía, a su vez, nuevos tonos.

Newton sostuvo que el modelo adecuado para explicar la percepción del color era un círculo con cierto orden lógico que desde entonces se llamó "círculo cromático de Newton".

El círculo cromático a la hora de pintar

El círculo cromático del que venimos hablando es el círculo cromático conocido como natural. En este círculo, los tonos son llamados “tonos luz” por el proceso de formación que explicamos. Sin embargo, a la hora de pintar, teñir o imprimir, el círculo cromático que se utiliza es el sustractivo, llamado CMYK. Ya no se trata de tonos formados por refracciones de luz sino por combinación de pigmentos. Al mezclar tonos en paletas, con base a estos pigmentos, no se utilizan el rojo, el azul y el amarillo sino que se toman como primarios el magenta, el cian y el amarillo. Esto se debe a que el magenta y el cian son más puros en cuanto a tinte. A partir de la mezcla de estos se obtienen los secundarios y terciarios.

Utilizar la sensibilidad y la intuición es importante para los procesos creativos pero contar (y usar) herramientas específicas como el círculo cromático; tu trabajo no solo será más placentero y fácil sino más valioso.

Cómo colorear el círculo cromático

Si quieres experimentar con los tonos, comienza por estas 5 combinaciones que van de más fáciles a más avanzadas para colorear tu propio círculo.

1. Hazlo simple con armonías monocromáticas

La apuesta segura, la que nunca falla, es elegir un único color y moverse a partir de sus luminosidad y saturación, yendo de más fuerte a más claro o viceversa. Esto te permite reducir los riesgos y mantener una estética coherente de una manera fácil.

2. Limítate al uso de los tonos análogos

Los tonos análogos son aquellos entre los que se considera que existe una armonía, es decir, aquellos tonos que se encuentran cerca unos de otros en el círculo cromático y que son muy parecidos aunque ligeramente diferentes.

3. Arriésgate con los tonos complementarios

Los tonos complementarios logran resultados sensacionales cuando se juntan aunque, sino tienes experiencia, tal vez te parezcan demasiado audaces juntos. El verde y el rojo son un ejemplo de esto.

4. Diversifica tu experiencia con complementarios indirectos

Genera combinaciones más complejas creando armonías a partir de un color base y los dos adyacentes de su opuesto. Por ejemplo, con los tonos anaranjado, azul y verde.

5. Haz tus experimentos digitalmente

Algunas apps gratuitas te permiten probar combinaciones de colores antes de plasmarlas en tus trabajos. Color by Adobe, Material Palette y Palleton son opciones que puedes tener en tu radar.

Charles-Émile Reynaud: El padre de los dibujos animados

Reynaud era hijo de un relojero y de una acuarelista. Las ocupaciones de sus padres definieron la suya. Desde muy chico se interesó por la mecánica y comenzó a aprender en el taller de su padre y su madre le enseñó a dibujar y a pintar.

Estudió ingeniería y fue profesor de mecánica y física en tiempos en donde ya se veían juguetes ópticos que daban la ilusión de movimiento mediante secuencias de imágenes.

Reynaud se interesó mucho por esta nueva técnica y se aplicó a perfeccionar los rudimentarios aparatos que plasmaban esas imágenes ilusorias.

Aprende a dibujar desde cero.

En 1876 Reynaud creó un tambor giratorio poligonal de espejos pintados con imágenes que, cuando eran iluminadas, eran vistas a través de una ventana pequeña. En diciembre de 1877 patentó este sistema con el nombre de praxinoscopio.

El invento tuvo un gran éxito comercial como juguete y obtuvo una mención especial en la Exposición Universal de París de 1878.

El praxinoscopio de Reynaud

En realidad, el praxinoscopio era más bien una mejora de un aparato llamado zoótropo. Sin embargo, Reynaud continuó perfeccionando su aparato y hacia 1879, agrega un fondo intercambiable que acompañaría a las figuras de la secuencia animada. En ese momento cambió de nombre a teatro praxinoscopio.

El teatro praxinoscopio derivado del zoótropo

Además, consciente de que su aparato no iba a ser visto por grandes audiencias, se dio a la tarea de ampliar los alcances y las proporciones de sus ilustraciones. Elaboró un complejo aparato que reproducía tiras aún más grandes de dibujos y las proyectaba: el teatro óptico.

Lo extraordinario de Reynaud es que todo lo hacía totalmente artesanal, sin electricidad, sin una cámara cinematográfica y sin proyector.

Comenzó a publicitar sus películas como Pantomimas Luminosas las cuales atraían mucho público y, por ende, muchos billetes.

Publicidad de las Pantomimas del Musée Grévin

Por desgracia, en la actualidad solo se conservan dos de sus pantomimas luminosas. La primera de ellas, que se llama Pauvre Pierrot (Pobre Pierrot), hecha en 1892, muestra a un arlequín que coquetea con una mujer y a un tal Pierrot que aparece más tarde y sufre las bromas del arlequín y el desinterés de su amada.

La otra pantomima que se puede ver actualmente es Autour d’une cabine (Alrededor de una caseta de baño), estrenada en 1895. En esta obra Reynaud retrata una historia que se desarrolla en una playa y que es considerada "inapropiada" para su época.

En estas, las obras más destacadas, él mismo pintó las 500 imágenes que tenían en total aproximadamente 15 minutos. Es así que con el teatro óptico se empieza a esbozar lo que en un futuro sería el cine.

Se dice que muchas de sus obras se perdieron durante un ataque de desesperación, hacia 1910, ya que Reynaud destruye el teatro óptico y arroja al Sena gran parte de sus dibujos. Esto se debió a la creación del cinematógrafo, que provocó falta de interés de la gente por las Pantomimas Luminosas que a su vez hizo que Reynaud perdiera el contrato que tenía con Musée Grévin.

Charles-Émile Reynaud

Sin duda, Charles-Émile Reynaud era un adelantado a su época asesinado por el progreso. No solo fue el inventor de los dibujos animados, sino que creó algo muy similar al cine cuando nadie aún soñaba que algo así podía existir. Reynaud fue, sin saberlo, uno de los seres humanos más importantes de la historia.

¿Qué es el Stop Motion?

La técnica de animación más pura

También conocida como animación fotograma por fotograma, el stop motion consiste en simular movimiento continuo con objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas. Es decir, se trata de una animación foto a foto que trata de aparentar un movimiento mediante la repetición de las mismas.

Cada uno de los fotogramas en una producción de stop motion es una imagen estática en la que los objetos se mueven o cambian de posición ligeramente y que, junto a otras, reproduciendo los fotogramas a cierta velocidad, produce la sensación de estar ante una película de animación como cualquier otra.

Coraline y la puerta secreta (2009)

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Como habrás podido deducir, el stop motion es un procedimiento artístico complejo, manual, y que requiere de mucha paciencia y tiempo.

Por lo general, en stop motion suelen animar objetos inanimados, como muñecos articulados o creados con materiales maleables como el barro o la plastilina.

Sin embargo, cualquier material es válido para llevar a cabo esta técnica: desde muñecos moldeables como los populares personajes de plastilina hasta figuras de LEGO. Incluso puede realizarse con actores humanos. El único requisito es que sean capaces de moverse o cambiar de posición de fotograma a fotograma frente a la cámara.

Para muchos, el stop motion es animación en estado puro. Para lograr esa idea de movimiento es necesario manipular los objetos a mano, en orden y con extremo detalle. En cada foto que se tome tiene que haber una ligera modificación para crear el movimiento, y que cuanto más pequeña sea esa modificación, más realista será la animación.

Además, se debe ser cuidadoso, ya que al ser una técnica progresiva de rodaje, no se puede dar marcha atrás. Si tuviéramos cualquier error, volver a empezar de cero nos haría perder mucho tiempo de trabajo y en producciones de cine y televisión, y por lo tanto mucho dinero.

¿Cómo hacer un stop motion?

Hoy en día cualquiera puede hacer un vídeo en stop motion con la cámara de su móvil. Existen aplicaciones e incluso redes sociales que ofrecen facilidades para hacerlo y compartirlo con todo el mundo. Pero si quieres algo más elaborado, entonces necesitarás una cámara profesional y un programa de edición.

Puedes usar plastilina, ya que con esta pasta se pueden hacer modelos de los personajes que van a aparecer en el vídeo. También puedes utilizar marionetas, lo que te quita menos tiempo porque no tendrás que crear tú los personajes. Bastará con ir moviéndolas por delante de la cámara y hacer que realicen la acción que quieras en cada momento. En el caso de que utilices muñecos articulados, tendrás que ir cambiando su postura para cada fotograma.

Ten en cuenta todos los factores técnicos, tales como la iluminación y la colocación de cámaras. Todo eso es esencial ya que se podría perder la continuidad del trabajo.