Estos son los 4 sitios más importantes para publicar tu portafolio si eres Concept Artist, diseñador, ilustración.
Behance
Este sitio es propiedad de Adobe y desde hace años ha abierto el espacio para la publicación de portafolios creativos. Cuenta con una comunidad muy grande misma que está dividida en el mercado del diseño para marketing y en ilustración creativa; predominando la primera. Cuenta con la posibilidad de obtener reconocimiento a tu trabajo a través de insignias; mismas que se entregan por categorías.
El sitio también organiza eventos para la revisión de portafolios y networking.
Artstation
Este sitio es propiedad de Epic Games y está completamente enfocado en portafolios de creativos ligados a la animación, concept art, concept design y demás áreas del diseño de entretenimiento. Es sin duda el lugar más importante para buscar y encontrar creativos para estas áreas. Es totalmente gratuito pero también cuenta con una versión PRO que te permite además de eliminar publicidad, subir archivos más grandes, aparecer en las primeras búsquedas y acceso a la posibilidad de vender tus productos digitales.
Cuenta además con una sección dedicada a los desafíos de diseño conceptual cuyos ganadores tienen exposición entre los reclutadores de la industria.
CG Society
Este sitio es uno de los más antiguos de la industria y cuenta con una vasta cantidad de usuarios en su comunidad; si bien no tienen la relevancia y alcance que Artstation tiene, también es un lugar bastante selecto para la búsqueda de artistas, diseñadores e ilustradores 2D y 3D.
Es completamente gratuito aunque también cuenta con una versión PRO que elimina publicidad.
DeviantArt
Este es uno de los más populares sitios para la publicación de trabajos y proyectos creativos; por tanto cuenta con una de las comunidades más grandes de la industria; el único pero que tiene es que no cuenta con ningún tipo de filtro o funciones del algoritmo que organice o pondere el contenido así es que lo mismo te aparece una obra de los maestros del concept art que un fan art de My Little Pony. Si esto no te molesta, es una gran comunidad que merece conocerse.
Antes de realizar una ilustración se necesita hacer un estudio de varios elementos gráficos que ayudarán en la creación de una pieza más impactante, atractiva y que logre comunicar la idea que se quiere transmitir.
1. Composición
La composición de la ilustración es prioridad.
La composición tiene la prioridad más alta ya que es lo primero que vemos. Una buena composición puede llamar la atención de la ilustración antes que el tema en cuestión. Se puede crear el estado de ánimo y la atmósfera simplemente por la disposición de los elementos. Una composición que se extiende a la imaginación, nos empuja a considerar los puntos de vista que no son familiares, lleva a la curiosidad.
2. Control de la luz
Utiliza luces y sombras a tu favor para dirigir el ojo.
Control de luz y oscuridad, incluso en una situación de iluminación sutil apoyada de una composición controlará donde miramos. Debemos manipular la luz describiendo una escena, el estado de ánimo, o una idea.
3. Contraste
El contraste ayuda a identificar todos los elementos.
Un juego de contrastes entre elementos es lo que da la sensación profundidad. Cómo las líneas varían de grosor, cómo las formas varían de tamaño, cómo la luz varía. Todos crean formas que en nuestros ojos que se mueven como una sola pieza. Esto se puede lograr a través de comparaciones extremas. Si te fijas en la realidad, el primer término tiene tonos mas obscuros que el fondo. Cuanto más se alejan los elementos en el horizonte, menos contrastes hay, y cuanto más se acercan, más contrastes.
4. Croma
Saturación de color.
La intensidad de un color se llama generalmente croma o “saturación” del color. Poder controlar la pureza de una tonalidad en una ilustración creará el enfoque y el estado de ánimo. Nuestros ojos tienden a ir hacia el color más saturado en primer lugar, pero si los tonos dentro de una ilustración están saturados, entonces nuestros ojos gravitan hacia las zonas más atenuadas. El contraste entre los dos rangos es lo que nuestros cerebros buscan. Por el contrario, amplias áreas de color gris salpicado por uno o varios tonos brillantes impulsarán nuestro ojo hacia esos colores llamativos.
5. Formas repetitivas
Superposición y repetición.
Un mar lleno de olas, gaviotas sobrevolando, la arena de la playa, nube; las formas repetitivas ganan interés por la ilustración. En la naturaleza la mayoría de los elementos se repiten y se superponen. Esto crea patrones y mundos interiores. Permite que las formas repetitivas se muevan a través de una composición como si estuvieran bailando rítmicamente, lo que lleva el ojo a moverse sobre la ilustración.
6. Pincelada
La pincelada agrega carácter y personalidad.
La pincelada es caligrafía. Recta o curva y simple. Los bordes del pincel, cómo se llevó a cabo, cómo se ha cargado, cómo se aplica a la ilustración determinan qué tipo de interés aporta. Aprender a mover un pincel son los beneficios de aprender caligrafía. Proyectas tus ideas a través del pincel al decirle exactamente cómo moverse, cómo doblar, cómo girar y aplicarlo. Es el estilo que le vamos dar, la marca de nuestro estilo caligráfico, nuestra huella. Si crees que vas a encontrar tu estilo original al no controlar el pincel, te equivocas, es la esencia de cualquier artista.
7. Bordes
Bordes definidos vs bordes suaves.
Controlar el borde de los elementos de la imagen, ya sea en el tema principal o en el fondo va a dirigir la mirada del espectador para que permanezca o se desvíe. Los bordes suaves, desenfocados, se quedan en una atención secundaria. Los bordes definidos son como cuando se usa la apertura de diafragma en la fotografía desenfocando el primer término para centrar la atención en el elemento enfocado de atrás, o desenfocando el fondo para centrar la atención en el elemento del primer término.
8. Idea
Idea o concepto.
Una ilustración en sí no tiene mucha validez si el concepto o idea no es bueno, es decir si no se está contando algo de un modo original o diferente. A no ser que se tenga que ilustrar algo muy científico o descriptivo, pero si la ilustración no tiene que basarse demasiado en un texto y por sí sola tiene que comunicar, es imprescindible desarrollar una buena idea. Una idea mediocre puede ser buena, incluso luminosa, y es mucho mejor que una gran idea mal ejecutada.
9. Narrativa
Los personajes que aparecen en la ilustración tienen un estado de ánimo que se representa en la expresión de su rostro, la mirada, la forma de la boca, la postura del cuerpo y los colores que lo envuelven. Un personaje triste se envuelve de unos colores obscuros y fríos, mientras que un personaje o escenario alegre se representa con tonos cálidos y más vivos.
El Matte Painting es una disciplina especializada en la creación de fondos para cine y demás proyectos audiovisuales que requieran extensiones o superposiciones de planos dentro del tiro de cámara. Su arista técnica consta del uso de imágenes (fotos o ilustraciones) con el fin de generar escenarios realistas que acompañen a ciertas escenas de la película sin tener que recurrir a la construcción de escenarios carísimos o que se salgan del tiempo establecido en la producción.
Actualmente, el Matte Painting se usa en cualquier medio audiovisual. Es una técnica que reduce mucho los costos, ya que no hay que levantar escenarios ni construir maquetas.
Todo se hace con medios digitales, lo que permite emplearlo tanto en publicidad como en cine, videojuegos, diseño de portadas.
Curiosamente, se trata de una técnica muy antigua que nació a principios del siglo XX. Se considera que el pionero en emplearla fue el director de cine estadounidense Norman O. Dawn, quien en 1907 la utilizó para reconstruir visualmente una serie de construcciones para su película Missions of California.
Por supuesto, la técnica entonces era totalmente manual. En cine esta técnica se realizaba pintando sobre cristal. Se superponía un cristal entre la imagen real y la cámara, y se pintaba una imagen lo más realista posible, intentando captar la luz del ambiente para generar lo que hoy creamos de manera digital”.
¿Qué conocimientos hay que tener para ser un artista de Matte Painting?
Se trata de todo un set de habilidades que podrían listarse de la siguiente forma:
Dominio de La Luz. Solo así seremos capaces de integrar correctamente cada uno de los elementos en su valor tonal adecuado; logrando la correcta lectura entre plano y plano.
Composición. Agregar ritmo o flujo para provocar sensaciones o comunicar ideas; es gracias a la habilidad que se tenga para componer el espacio y los elementos que en este habitan. Al componer la imagen se debe tener en cuenta la futura inclusión de elementos protagonistas. Por ejemplo, en cine o videojuegos siempre hay que crear las imágenes sabiendo previamente dónde van a estar los personajes, para dejar los espacios necesarios sin que se superponga al plano trasero.
Perspectiva. Establecer los puntos de fuga, líneas de horizonte para que los elementos contenidos en un lienzo funcionen visual e integralmente, es clave en el Matte Painting.
Desde luego la base fundamental de conocimientos teóricos técnicos va de la mano de mucha práctica. Aprende con nosotros en nuestro Diplomado de Matte Painting.
