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Para concluir esta entrevista, ¿querría mandar un mensaje a la joven generación de directores japoneses y aspirantes a directores, que son en realidad bastante numerosos? ¿Hay algún consejo que quisiera darles?


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A los jóvenes aspirantes que llaman a mi puerta les insisto en esto: “Hoy en día cuesta mucho dinero hacer una película, y es difícil llegar a ser director. Debes aprender y experimentar cosas variadas para ser director, y eso no se consigue fácilmente. Pero si de verdad quieres hacer películas, escribe guiones primero. Todo lo que necesita un guión es un papel y un bolígrafo. Sólo a través de la escritura de guiones aprenderás los detalles de la estructura de una película y lo que es el cine”. Eso es lo que les digo, pero ellos no lo hacen. Encuentran que escribir es muy duro, y así es. Escribir guiones es un trabajo muy duro, es más, Balzac dijo que para los escritores, incluido los novelistas, lo más necesario y esencial era poseer la paciencia para llevar a cabo la tarea de escribir palabras de una en una. Esa es la primera condición para cualquier escritor. Cuando consideras la obra completa de Balzac desde ese punto de vista, es simplemente asombroso porque ha producido un volumen tal de escritos que nos llevaría una vida leerlos todos.



¿Sabe usted cómo escribía Balzac?

Es muy interesante, iba escribiendo e inmediatamente lo enviaba a la imprenta. Cada página se imprimía en una hoja así de grande. Cuando le llegaban las páginas impresas de vuelta, hacía correcciones al margen hasta tal punto que del original quedaba poco. Entonces mandaba las correcciones al impresor. Era una buena forma de trabajar, aunque debía de ser duro para el impresor. Era capaz de producir tanto gracias a ese método. Aquel podía ser un ingrediente, pero el aspecto esencial era tener la paciencia de escribir una palabra tras otra hasta alcanzar la expresión adecuada. Mucha gente carece de esta paciencia. Sólo necesitas papel y bolígrafo para escribir un guión. Cuando quedaba con Naruse en una posada para escribir, solía visitarlo en su habitación. Tenía papel y bolígrafo sobre la mesa. Mientras hablábamos, él escribía algo de vez en cuando… aquellas líneas podrían transformarse en uno de sus maravillosos guiones. Es una bonita historia, pero si le pedía ver lo que estaba escribiendo, él tan solo reía entre dientes. Alguna vez escribió algo así como que estos y otros personajes estarían en una habitación haciendo algo…


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Solamente “algo” ¿nada concreto? [Risas]

Para Naruse bastaba con aquella descripción, pues él sería el director, no necesitaba ser más concreto… pero aquel “algo” fue divertido… La tediosa tarea de escribir ha de convertirse en una segunda naturaleza para ti. Si te sientas y escribes tranquilamente durante todo el día, tendrás al menos dos o tres páginas, aunque haya sido una batalla. Si lo mantienes, podrás llegar a tener dos centenares de páginas en poco tiempo. Creo que los jóvenes de hoy no conocen este truco. Ellos empiezan y pretenden terminar inmediatamente. Cuando vas a escalar una montaña, lo primero que te dicen es que no mires la cima, sino que mantengas los ojos clavados en el suelo mientras asciendes. Vas subiendo pacientemente paso a paso, y si miras a la cima, acabarás frustrado. Creo que escribir es lo mismo. Necesitas acostumbrarte a la tarea de escribir. Se necesita un esfuerzo para aprender a verlo no como algo penoso, sino como una rutina. Pero la mayoría tiende a rendirse a mitad de camino. Les suelo decir a mis ayudantes de dirección que si se dan por vencidos una vez, acabarán así siempre y se rendirán ante las primeras dificultades. Les digo que escriban —no importa qué— hasta que tengan algún tipo de final. Digo: “no se te ocurra abandonar, aunque se haga duro a mitad del camino”, pero cuando las cosas se ponen difíciles, ellos se rinden. Además, los jóvenes de hoy no leen, no creo que ninguno de ellos haya leído la literatura rusa en profundidad. Es importante que en algún momento hagan una serie de lecturas. A menos que tengas una buena reserva dentro, no podrás crear nada. Por eso digo a menudo que la creación proviene de la memoria. La memoria es la fuente de la creación, no puedes crear algo a partir de la nada. Tanto si es de lecturas o de tus propias experiencias, no podrás a menos que tengas algo en tu interior. En este sentido, es importante hacer lecturas variadas. Las novelas actuales están bien, pero creo que también hay que leer a los clásicos. Si se estableciera una escuela de cine, sería importante hacer hincapié en las lecturas.



Akira Kurosawa

Conversación con Nagisa Oshima

Agosto de 1993

Editorial: Confluencias

Traducción: Alfonso Fornieles Ten

y José Jesús Fornieles Alférez

Foto: Akira Kurosawa

Sin duda el MCU (Universo Cinematográfico de Marvel) es una experiencia narrativa compleja y apasionante. Resulta que Kevin Feige, director creativo de todo el proyecto, lleva planeando por décadas todas las películas y series de nuestros héroes, antihéroes y villanos favoritos.


que es el diseño de producción

La calidad narrativa y sobre todo audiovisual de cada cinta dentro del MCU se debe a que todas siguen una línea conductual que es la esencia de Marvel.

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Es así cómo se formó este universo cinematográfico inigualable y se crearon películas tan ambiciosas como “Doctor Strange” y la reciente estrenada “Black Widow”. Pero con la llegada de Disney Plus, Marvel ahora le apuesta a las series vía streaming, cosa que aprovechó para cambiar un poco las cosas. Es así como tenemos “Wanda Vision”, una parodia sitcom con giros dramáticos que explica la trama de Scarlet Witch después de End Game, y “Falcon and the Winter Soldier” que le apostó a la típica acción de las películas de las películas del Capitán América.


Sin embargo, no hay nada más ambicioso y original como la nueva serie “Loki”, la cual estrenó el último episodio de su primera temporada el pasado miércoles 14 de julio. Y es que por primera vez, Marvel decidió hacer una trama de thriller detectivesca con uno de los antihéroes más queridos por los fans, Loki Laufeyson.


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Esta serie va directo al grano y nos responde la pregunta, ¿qué hizo Loki tras adquirir el Teseracto en End Game? Resulta que casi ramifica el tiempo, ya que eso no se supone que debía pasar en la línea del tiempo. Es así como es interceptado por una agencia privada, atemporal y burocrática llamada TVA, la cual se encarga de sistematizar la protección del tiempo y evitar sus ramificaciones. Sin Loki en End Game y posteriormente encerrado en Asgard, no hubiesen existido las otras 2 entregas de las cintas de Thor.


Pero ¿qué es lo que hace tan especial a esta serie? Sin duda lo es su producción. ​​

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La producción audiovisual es el arte de crear un producto para medios de comunicación audiovisuales, como el cine o la televisión.


Abarca desde aspectos financieros, recursos técnicos y logísticos hasta las tareas que se hacen cada día.






La producción audiovisual se realiza en tres fases:

  • Planificación (pre-producción)

  • Ejecución (producción)

  • Montaje y Edición (post-producción)


Fase de Pre-producción

La pre-producción es la fase más importante del proceso de producción, aunque es un proceso totalmente independiente del siguiente, que es la producción como tal. Comprende desde el momento en el que nace la idea hasta que empieza la grabación. El mayor esfuerzo productivo se realiza en esta fase. Aquí se revisa el guión, se deciden los lugares de grabación, se contemplan los trámites y se hace un plan de trabajo listado con lo que hace cada quien.


Loki” comenzó su fase de pre-producción el 21 de diciembre de 2019 y fue extensa.

Se contrataron a actores, maquillistas y hasta “stunts”. Se leyó el guión técnico y a partir de ahí revisaron los cómics en busca de eventuales ideas. Parte de esto lo podemos ver en el Episodio 5 “Un viaje hacia el misterio” cuando aparecen un montón de referencias a cómics en los que salen hasta Thor Rana y Loki Cocodrilo.


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Fase de Producción

Luego tenemos la fase de producción y rodaje, la puesta en práctica de todas las ideas pensadas en la fase de preproducción. Una mala planificación supondría un gasto importante de tiempo y capital. En esta etapa de la producción se incorporan el equipo de cámaras, los técnicos de sonido, el equipo de dirección artística y decoración, los iluminadores, etc.


Existen muchos productores encargados de planificar y gestionar los recursos técnicos de los productos audiovisuales. Estos son los más importantes:

  • Productor General. Es el encargado y responsable de todo el equipo.

  • Productor Ejecutivo. Es quien aporta el dinero, organiza y controla el proyecto. Puede ser tanto una empresa como una persona.

  • Productor. Es el máximo responsable de la organización técnica y de la administración del dinero. Puede ser que sea el propio gestor del proyecto o un ejecutivo que la empresa coloca como su representante.


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En el caso de “Loki”, Louis D´Esposito y Tom Hiddleston son productores ejecutivos, y Kevin Feige el productor principal, a la par de muchos otros productores generales. Feige dicta la tónica de cada película y serie de Marvel. Es por eso que su trabajo es tan importante, así el MCU no se sale de forma y tono en cada película y gracias a él se pueden unir todas las cintas de Marvel.

Fase de Post-postproducción

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Por último tenemos el trabajo de post-producción. Este proceso es totalmente independiente al de la Pre y la Producción e incluso pueden hacerlo empresas diferentes. Consiste en la selección del material grabado del que se eligen las tomas que servirán para la edición y montaje de la obra.


La producción se encarga en esta última fase de la obtención del producto final, es decir, el máster de grabación a partir del que se procederá al proceso de copia. Para ello debe asegurarse de que se respeten los plazos de postproducción de la imagen, es decir los efectos visuales, la temperatura, los filtros, los cortes y el montaje. Entendemos el montaje como el proceso en el cual se seleccionan y ordenan los diferentes planos en un lugar determinado de la cinta para así generar en el espectador una sensación de continuidad tanto en el aspecto narrativo como visual. De esta manera, el montaje es un aspecto fundamental a la hora de crear ficción, en la medida que determina la concepción y la intención comunicativa de una propuesta audiovisual.

Loki” contiene mucho efecto visual y es en especial este apartado el que la hace una serie excepcional.

Realmente su producción y post-producción hacen que te sientas encerrado en el retrofuturismo mágico que inspira la TVA y en los lugares históricos que visitan los personajes.

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Además y por si fuera poco, Disney ha desarrollado junto a Epic Games una tecnología abandonada desde los años 30 llamada Stagecraft, la cual sustituye a los cromos y brinda una inmersión total al escenario que se desea. Es de extrema utilidad para los actores, ya que pueden ver lo que sucederá a su alrededor en la cinta, pero también lo es para los productores que se guían a través de la pantalla sin tener que imaginar nada.

Así pues “Loki” utiliza dicha tecnología que genera otro tipo de ambiente, nos presenta un nuevo género narrativo, contiene una producción espectacular y por supuesto, tiene una relevancia increíble para el futuro del MCU. Sin duda una de las mejores entregas de Marvel. Y tú ¿ya viste al Dios de las Mentiras en acción?


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Desde hace relativamente muy poco, el mundo que habitamos se ha visto afectado significativamente por los avances científicos y por supuesto que esto nos conviene en sobremanera.


Pero, ¿qué pasaría si la ciencia y todo el poder que conlleva su manipulación y conocimiento cae en las manos equivocadas?


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Black Mirror (2019) - T2 E4 Una Blanca Navidad

Ésta es una idea que exploran varios universos cinematográficos y de la TV, ya sean mundos distópicos como el de Blade Runner o realidades alternativas como en Black Mirror. Al final del día todas tienen una cosa en común: el ser humano en conflicto consigo mismo a través de la ciencia y su desarrollo.





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Pero es la serie que analizaremos hoy la que hace las cosas diferentes, y es que Rick y Morty no sólo explora dicho conflicto, sino que además lo hace de una forma divertida, paródica y metafórica.




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Rick y Morty es una serie de televisión estadounidense de animación para adultos creada por Justin Roiland y Dan Harmon en 2013 para Adult Swim.

La serie

La serie sigue las desventuras de un científico, Rick, y su fácilmente influenciable nieto, Morty, quienes pasan el tiempo entre la vida doméstica y los viajes espaciales, temporales e intergalácticos.


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Rick y Morty - T1 E1 Buscando las Semillas

Después de haber estado desaparecido durante casi 20 años, Rick Sánchez llega de imprevisto a la puerta de la casa de su hija Beth y se va a vivir con ella y su familia utilizando el garaje como su laboratorio personal. Es así como comienzan las desventuras de dicho personaje, mismo que se autoproclama el ser más inteligente del universo. De hecho, es por su gran intelecto que enemigos de toda la galaxia están tras él y sus habilidades impulsan a conflictos más allá de sus propias manos y la de su familia.


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Rick y Morty - T5 E2 Mortyplicidad

La serie es una crítica a la simplicidad de nuestra existencia y la banalidad del conocimiento.

Una parodia sobre la adolescencia, sobre la ciencia ficción y hasta recursos narrativos. Por eso Rick ni siquiera tiene un trasfondo sentimental o tan siquiera un canon específico. Eso sirve para que la serie sea longeva y distante de lo convencional.


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Rick y Morty - T3 E10 Día de Rick y Morty

Incluso, la idea detrás de la serie ni siquiera era una idea original como tal. Rick y Morty nació como una parodia a la trilogía de Volver al Futuro de Adult Swim donde Rick era una versión mal dibujada del Doc y Morty una versión mal hecha de Marty McFLy (de ahí el parecido visual y de nombres).




El episodio piloto llamó aún más la atención de Adult Swim y decidieron avanzar hacia un proyecto original.

Estructura Narrativa

episodio piloto de Rick & Morty
Doc y Mharty - Episodio Piloto - Adult Swim

Según Victor Sellés en su blog sobre el guionista de la serie, el círculo de Dan Harmon es un método para estructurar historias que a primera vista no es otra cosa que una variante del ya muy utilizado viaje del héroe derivado de los trabajos de Joseph Campbell. La principal diferencia es que el círculo pone el énfasis en el punto de vista del personaje.


En lugar de los doce pasos habituales, Harmon redujo el número a ocho, pero la idea es esencialmente la misma.


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Volver al Futuro - Robert Zemeckis

Precisamente porque Harmon es un guionista de televisión, su círculo se presta mejor a estructuras narrativas fraccionadas o episódicas. Por ese motivo, el círculo puede aplicarse no solo a nivel de macrohistoria, sino también de microhistoria, explica Sellés




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Diseño Visual

Pero también tenemos la parte visual y del diseño. Debido a que en la serie Rick posee múltiples inventos y herramientas de diversa índole que lo llevan a mundos extraños y diferentes realidades, siempre hay personajes y escenarios en constante desarrollo y cambio.

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Todas las imágenes son propiedad de Adult Swim.

Para empezar se utiliza el proceso del storyboard mediante el cual se toma una historia o guión, y se plasma en sucio de manera visual ya sea en papel o un monitor y finalmente se trasladan a una producción audiovisual.



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Según Adult Swim, para la primera temporada de Rick and Morty se tenía un total de 8 artistas encargados únicamente de hacer el storyboard para los episodios de la serie. Esto quiere decir que dicho trabajo de realización del storyboard es tan importante que es un departamento por aparte.


Normalmente hacer la primera versión rápida del storyboard lleva dos semanas.

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Una vez que se tienen listas las primeras secuencias, se muestran al director de storyboard, quien las evalúa y hace notas al respecto. Posteriormente se hace cualquier ajuste necesario antes de entregar la versión final al director del episodio. Aquí es donde suele darse una segunda ronda de revisión y ajustes, pero una vez que todo está terminado y aprobado, el storyboard se convierte en un animatic.


Finalmente, este animatic pasa a revisión de los creadores de Rick and Morty. Ellos dan sus comentarios finales y se dan otras dos semanas para poder llevar a cabo cualquier edición o cambio por parte de los creadores.


De esta manera, el proceso de hacer el storyboard para un episodio de Rick and Morty puede tardar entre un mes o mes y medio.

Lo que hace a una historia realmente memorable son sus personajes. Estos hacen que la audiencia se relacione emocionalmente con ella y que por lo tanto, la disfruten más. Es por eso que diseñar personajes resulta tan importante en cualquier producción audiovisual.


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En el caso de Rick and Morty, los artistas reciben el guión para un nuevo episodio.






Es ahí donde se dan cuenta de los nuevos personajes que habrán de aparecer en el capítulo y hacen algunos bocetos frontales rápidos. Estos se muestran ante Carlos Ortega, el líder del departamento de diseño de personajes y él hace ajustes sencillos de estos primeros bocetos y se pasan a revisión del director de arte. Cuando estos primeros bocetos son aprobados, se pasa a realizar las vistas del personaje: frente, reverso y tres cuartos.


Se agregan detalles y colores al personaje y finalmente se envía al equipo de animación. Y aunque suena sencillo el procedimiento la verdad es que, al ser una serie en constante cambio, resulta difícil seguirle la pista al diseño.


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Todas las imágenes son propiedad de Adult Swim.
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Todas las imágenes son propiedad de Adult Swim.

Cabe aclarar que la serie no busca ser científicamente exacta ni mucho menos. Es más comedia negra que otra cosa, pero está claro que es conocida mundialmente y todo fan sabe que se trata del simpático niño puberto y de su sociópata abuelo con tan solo ver uno de sus portales verdes en espiral.



Nadie ve Rick y Morty para curtirse en lo científico, sino para burlarse de la sociedad y de los chistes sobre el existencialismo que nos ofrece.


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Sin duda una de las series animadas más relevantes de todos los tiempos. ¿Quién hubiese pensado que las caricaturas no sólo podían ser para niños?


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