Una academia creada: The Umbrella Academy

Muchas veces las series que más disfrutas vía Netflix, Disney Plus y demás plataformas, tienen un origen distinto al de la pantalla. Algunas de ellas surgen originalmente un libro o novela que se adaptan a la pantalla con un formato más longevo e interesante. La importancia de quienes tienen dicho trabajo de convertir un producto en otra versión es muy importante, pues vivimos en tiempos de streaming y es necesario que evolucionen.

The Making of the Umbrella Academy

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Tal es el caso de “The Umbrella Academy” (una serie de cómics escritos por Gerard Way y publicados por Dark Horse) que consiste en una historia melodramática de una familia disfuncional de superhéroes inadaptados que buscan salvar al mundo del apocalipsis, claro que, sin saber qué lo provoca.

"The Umbrella Academy: Hotel Oblivion" (2018): cadáveres en el armario

Dicho cómic es relevante por la distinción que marca con respecto a otras historias de mutantes como lo es “X-MEN” o de trastornados como se ve en “Suicide Squad”.

Estilo gráfico

Es algo mucho más parecido a la visión de “Watchmen” de DC Comics en la gran pantalla. De lo que vamos a hablar es de Gabriel Bá, un joven brasileño cuyo mérito fue ilustrar las historias de la academia.

Su estilo es minimalista, oscuro, pero con detalles estridentes. Y se encargó de enfatizar a los arquetipos de los personajes a través de su aspecto. Y al ser un producto ficticio y con libertad para crear cualquier tipo de formas y colores, son diseños de personajes deformes o exagerados. Cosa que a la hora de hacerse live action no es posible imitar, por lo que la adaptación Rawson Marshall Thurber para Netflix, fue esencial. Y aunque se respetaron varios personajes en cuestión de su diseño, otros tuvieron que ser replanteados sin que esto afecte a su personalidad.

Diseño

Aquí también entra el Concept Design puesto que debían ser personajes memorables y originales que volvieron a crear desde cero. El vestuario, los props y el aspecto de los personajes, están cuidadosamente diseñados para ser verosímiles pero a la vez, de ciencia ficción. El diseño de producción mantiene la esencia durante las dos temporadas vigentes y le da un toque retro que es amistoso para el espectador y que aporta mucho en el ambiente en el que se desenvuelven nuestros personajes.

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7 Libros clave para dibujar, pintar y comunicar.

How to draw.

1. Cómo dibujar: Objetos y Entornos | Scott Robertson

Este libro nos enseña cómo dibujar objetos y entornos construyendo cuadrículas de perspectiva que permitan al lector comprender la estructura básica de cualquier objeto y así replicarlo en cualquier proyecto. Así mismo aborda, extensamente, las herramientas y materiales mínimos necesarios para iniciar con una formación profesional. A través de sus páginas, la obra aporta mucho valor en la creación, la representación y comunicación del Concept Art. Este libro es clave si quieres especializarte como Concept Artist.

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2. Escuela de dibujo de Anatomía Animal | András Szunyoghy

Saber dibujar animales con ayuda del estudio de su anatomía es clave para quien busca desarrollarse en las artes visuales. Los dibujos increíblemente detallados de András Szunyoghy acompañan a anatomistas y artistas de todo el mundo hace más de una década.

Escuela de dibujo de anatomía animal.

Esta edición en dos volúmenes pretende hacer accesible a un público más amplio la obra de Szunyoghy. Multitud de contenidos que comparan y muestran de forma separada la anatomía humana y animal.

3. Aprender a Dibujar con el lado derecho del cerebro | Betty Edwards.

Este libro es todo un clásico cuyo contenido profundiza en la forma cómo nuestras mentes exploran lo que vemos. Cuenta con muchos ejercicios y ejemplos que sin duda fortalecerán tus fundamentos de dibujo. El método de Edwards ha servido durante décadas a la formación de dibujantes para el arte u otras disciplinas.

Aprender a dibujar con el lado derecho del cerebro.

Perspective & Composition.

4. Perspectiva Y Composición: Guía Básica De Dibujo | Barber Barrington

Este libro es una guía básica de dibujo para artistas que desean mejorar su técnica. Aborda áreas imprescindibles y que son clave para el control total del dibujo.

Un libro de lectura muy rápida, con conceptos básicos para empezar de cero. Uno de los mejores libros para principiantes sobre el análisis compositivo y de puntos de fuga.

Framed Ink.

5. Framed Ink: Drawing and Composition for Visual Storytellers | Marcos Mateu-Mestre

Este libro es sin duda la guía definitiva de la narración visual. El autor creó esta guía para quienes buscan mejorar sus habilidades de comunicación visual. Mediante una serie de ejercicios, aprenderemos composición, continuidad, storytelling, etc. Los ejemplos ahí vertidos pueden ayudarte tanto a la comprensión del método como de punto de partida para tus propias creaciones.

Color and Light.

6. Luz y color | James Gurney

Existen dos herramientas fundamentales para el desarrollo de la obra de cualquier artista: la luz y el color. Este libro no pretende ofrecer solo recetas sobre cómo mezclar los colores ni se limita a describir las técnicas de iluminación o a la teoría del color sino que este libro contesta las preguntas más frecuentes que se hacen los artistas: ¿Qué pasa con los colores del cielo durante la puesta de sol?, ¿cómo varían los colores según la distancia?, ¿cómo conseguimos que una forma parezca tridimensional? Se trata de una obra escrita por y para profesionales del arte de todos los tipos, aquellos interesados en el enfoque realista tradicional y también para quienes sienten curiosidad por las estructuras y misterios del mundo visual.

7. Anatomía para el Artista | Sarah Simblet

Uno de los mejores libros para aprender a dibujar anatomía humana. Cada parte está acompañada de ejemplos prácticos para visualizar y dibujar cada parte del cuerpo. Una obra indispensable para todos los interesados en obtener una amplia perspectiva de la figura humana. Si buscas formarte como Diseñador de Personajes, este libro es sin duda el mejor inicio. A través de sus páginas encontrarás grupos musculares, esqueleto, el equilibrio, pose, acción y mucho más. Seis lecciones muy descriptivas sobre anatomía que ayudan a comprender técnicas y posturas sobre la estructura ósea, la cabeza, la caja torácica, la pelvis, el dibujo de las manos y los pies.

Anatomía para artistas.

Aprende a dibujar desde cero

La paciencia de escribir una palabra tras otra, Akira Kurosawa

Para concluir esta entrevista, ¿querría mandar un mensaje a la joven generación de directores japoneses y aspirantes a directores, que son en realidad bastante numerosos? ¿Hay algún consejo que quisiera darles?

Akira Kurosawa

A los jóvenes aspirantes que llaman a mi puerta les insisto en esto: “Hoy en día cuesta mucho dinero hacer una película, y es difícil llegar a ser director. Debes aprender y experimentar cosas variadas para ser director, y eso no se consigue fácilmente. Pero si de verdad quieres hacer películas, escribe guiones primero. Todo lo que necesita un guión es un papel y un bolígrafo. Sólo a través de la escritura de guiones aprenderás los detalles de la estructura de una película y lo que es el cine”. Eso es lo que les digo, pero ellos no lo hacen. Encuentran que escribir es muy duro, y así es. Escribir guiones es un trabajo muy duro, es más, Balzac dijo que para los escritores, incluido los novelistas, lo más necesario y esencial era poseer la paciencia para llevar a cabo la tarea de escribir palabras de una en una. Esa es la primera condición para cualquier escritor. Cuando consideras la obra completa de Balzac desde ese punto de vista, es simplemente asombroso porque ha producido un volumen tal de escritos que nos llevaría una vida leerlos todos.

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¿Sabe usted cómo escribía Balzac?

Es muy interesante, iba escribiendo e inmediatamente lo enviaba a la imprenta. Cada página se imprimía en una hoja así de grande. Cuando le llegaban las páginas impresas de vuelta, hacía correcciones al margen hasta tal punto que del original quedaba poco. Entonces mandaba las correcciones al impresor. Era una buena forma de trabajar, aunque debía de ser duro para el impresor. Era capaz de producir tanto gracias a ese método. Aquel podía ser un ingrediente, pero el aspecto esencial era tener la paciencia de escribir una palabra tras otra hasta alcanzar la expresión adecuada. Mucha gente carece de esta paciencia. Sólo necesitas papel y bolígrafo para escribir un guión. Cuando quedaba con Naruse en una posada para escribir, solía visitarlo en su habitación. Tenía papel y bolígrafo sobre la mesa. Mientras hablábamos, él escribía algo

de vez en cuando… aquellas líneas podrían transformarse en uno de sus maravillosos guiones. Es una bonita historia, pero si le pedía ver lo que estaba escribiendo, él tan solo reía entre dientes. Alguna vez escribió algo así como que estos y otros personajes estarían en una habitación haciendo algo…

Solamente “algo” ¿nada concreto? [Risas]

Para Naruse bastaba con aquella descripción, pues él sería el director, no necesitaba ser más concreto… pero aquel “algo” fue divertido… La tediosa tarea de escribir ha de convertirse en una segunda naturaleza para ti. Si te sientas y escribes tranquilamente durante todo el día, tendrás al menos dos o tres páginas, aunque haya sido una batalla. Si lo mantienes, podrás llegar a tener dos centenares de páginas en poco tiempo. Creo que los jóvenes de hoy no conocen este truco. Ellos empiezan y pretenden terminar inmediatamente. Cuando vas a escalar una montaña, lo primero que te dicen es que no mires la cima, sino que mantengas los ojos clavados en el suelo mientras asciendes. Vas subiendo pacientemente paso a paso, y si miras a la cima, acabarás frustrado. Creo que escribir es lo mismo. Necesitas acostumbrarte a la tarea de escribir. Se necesita un esfuerzo para aprender a verlo no como algo penoso, sino como una rutina. Pero la mayoría tiende a rendirse a mitad de camino. Les suelo decir a mis ayudantes de dirección que si se dan por vencidos una vez, acabarán así siempre y se rendirán ante las primeras dificultades. Les digo que escriban —no importa qué— hasta que tengan algún tipo de final. Digo: “no se te ocurra abandonar, aunque se haga duro a mitad del camino”, pero cuando las cosas se ponen difíciles, ellos se rinden. Además, los jóvenes de hoy no leen, no creo que ninguno de ellos haya leído la literatura rusa en profundidad. Es importante que en algún momento hagan una serie de lecturas. A menos que tengas una buena reserva dentro, no podrás crear nada. Por eso digo a menudo que la creación proviene de la memoria. La memoria es la fuente de la creación, no puedes crear algo a partir de la nada. Tanto si es de lecturas o de tus propias experiencias, no podrás a menos que tengas algo en tu interior. En este sentido, es importante hacer lecturas variadas. Las novelas actuales están bien, pero creo que también hay que leer a los clásicos. Si se estableciera una escuela de cine, sería importante hacer hincapié en las lecturas.

Akira Kurosawa

Conversación con Nagisa Oshima

Agosto de 1993

Editorial: Confluencias

Traducción: Alfonso Fornieles Ten

y José Jesús Fornieles Alférez

Foto: Akira Kurosawa